Joseph Arthur y la canción de protesta de nuestra generación

La música de protesta parece ser un objeto de nostalgia, perteneciente a una época y generación pasada. Aquellas canciones que en algún momento representaban a un movimiento, expresaban los sentimientos de una generación y sobre todo, era un elemento que unía a las personas por una misma causa. Una lucha unificada o un movimiento social de transformación de nuestras ideas y nuestra sociedad. Algunos eran gritos de guerra, otros eran cubetazos de agua fría para despertar y confrontarse con la realidad, era Neil Young entonando sobre los muertos de Ohio, a Public Enemy exponiendo la realidad que el resto del mundo parecía ignorar con televisión basura y basura mediática. 

Desde Woody Guthrie, pasando por Springsteen, hasta Rage Against the Machine, era el artista en la interminable lucha por los ideales en un mundo que ya había asesinado a sangre fría y para el escrutinio del morbo televisivo a la religión, los ideales y las instituciones. La revolución de Lennon y de Jefferson Airplane, que se convirtió después en un retrato del idealismo de las generaciones y las luchas pasadas que nosotros heredamos, o parafraseando a Billy Joel, el fuego no lo empezamos nosotros. 

¿Y a nuestra generación qué es lo que queda?

Vivir en un estado de negación, sin aparentes cuestionamientos existenciales sobre quienes somos, el mundo que hemos heredado por las luchas perdidas de nuestros antecesores, por los ideales que se sacrificaron para crear un mundo iluso y falso. Creamos dicotomías más grandes como humanidad cuando se invierte más en matar a otras personas y a explotar a alguien más, antes de ayudarlo. Primero le escupimos, luego lo ignoramos, para después mirar su cadáver con desdén, y luego justificar nuestro Darwinismo social como un mecanismo de defensa que sólo nos dejará con la protección de los fuertes, los sobrevivientes de nuestro propio Leviathan, alimentado en franquicias y barreras imaginarias. Me preguntó si a veces esas luchas de poder era sólo para arrebatarlo de alguien más, para después terminar corrompido igual que la granja Orwelliana. Y los débiles y los que siempre necesitaron de nuestra ayuda, aquellos por los cuales aparentemente luchamos, son olvidados al contar su riqueza imaginaria. Parece que por fin, se le está poniendo a esa incongruencia y lentamente se genera el cambio en la sociedad, una auténtica revolución sin manos, sólo era cosa de cambiar nuestra manera de pensar y actuar.

"We Stand As One" de Joseph Arthur explora nuestro momento actual de maneras inesperadas, nos vuelve a regresar a la reflexión de nuestra especie a partir de lo sencillo y las necesidades básicas que necesitamos, los ideales bajo los que aparentemente se crearon los estados en los que vivimos y buscaban brindarle un lugar mejor a los suyos, y a los que vienen. Trataremos de limpiar nuestro cochinero para dejarle al mundo que viene un lugar mejor o por lo menos con menos suciedad. Heredamos un mundo imperfecto y lleno de hoyos, sin embargo nadie nos dijo que no podíamos hacer nada para tener un lugar mejor. Joe Strummer decía que el futuro no está escrito y así podemos tratar de construir día a día algo nuevo y hermoso otra vez, un mundo cómo el que se imaginó Lennon y hoy está en nuestras manos pelear por aquella utopía que no sonaba tan mal.

Entre menos sepamos, mejor. Los nuevos secretos de DJ Shadow

El título engloba casi toda el aura de disco The Less You Know, The Better. Entre menos sepa usted, mejor, y así todavía podemos romantizar un poco sobre las nuevas direcciones por dónde nos llevará DJ Shadow. Entre secretos y murmullos, Josh Davis primero nos dió una pequeña muestra con I've Been Trying, una melancólica y atmosférica pieza de blues contemplativo, al puro estilo de Endtroducing..., su impecable debut y sin duda alguna una de las piezas definitivas de los últimos 20 años de la música contemporánea. 

Después recorrimos sus caminos frenéticos de drum n' bass, en extrapolaciones con guitarras metaleras y un enigmático monolito al centro del EP I Gotta Rokk, para finalmente llegar a la obra completa con The Less You Know, The Better. Aquí nos vuelve a mostrar las cartas completas, para hacer una brillante demostración de hip hop, tornamesísmo de alto octanaje, una brillante capacidad para buscar sonidos y lugares raros una vez más. DJ Shadow es capaz de llevarnos otra vez a esos lugares a los que pocos se atreven explorar, nos induce a explorar otra vez nuevos sonidos que nunca habíamos escuchado, sin embargo suenan con tanta familiaridad, confirmando que siempre estuvieron ahí, sólo faltaba una aguja que les diera vida una vez más.

La marquesina de la portada, nos incita a meditar, acerca del sobre consumo del cual padecemos hoy en día por buscar insaciablemente, y tratar de llenar esos vacíos con más y más aparente conocimiento. Sin embargo, poco tiempo nos deja para realmente apreciar nuestra condición sola, triste, llena de tedio, en un mundo que parece reemplazarte tan fácilmente como una marquesina en el cine o un anuncio espectacular. En espera de la aparente novedad y la nueva palomita sonora que tarda años en concretarse, ese tiempo da el espacio necesario para poder apreciar y reflexionar sobre cada obra entregada. Para poder deconstruir y tratar de descifrar los secretos o por lo menos tratar de insertar una imagen que acompañe esta nueva banda sonora.

Bienvenidos a una nueva expedición acompañados por DJ Shadow, cómo lo dice el título: Entre menos sepamos, mejor. Una mochila al hombro, nos llevaran a nuevas direcciones y al final regresamos al mismo punto, para querer volverle a poner play.

Nos leemos pronto.

La llegada del Shadowshpere, la larga espera por DJ Shadow

Por fin se acerca después de una larga espera de una década la llegada del Shadowsphere, una cápsula espacial diseñada para transportarnos a películas imaginarias, a largas carreteras, caminos nocturnos en la exploración de nuestra propia alma. Introspecciones de la mente y el espíritu, en sólo cuatro discos primero comandados por Endtroducing... y hoy finalmente con The Less You Know, The Better.

Josh Davis nos ha llevado a la experimentación sonora contenida en piezas olvidadas y enterradas por el tiempo, resguardadas en pequeños objetos de viníl. Arma ropecabezas con joyas perdidas y nos plantean nuevos horizontes de las capacidades y las posibilidades de la tecnología. Sin duda alguna, se nota el laborioso proceso que conlleva la creación de cada álbum. Las conexiones musicales son meticulosas y altamente sorprendente, pasando desde frenéticos ritmos percusivos, hasta sus melancólicas texturas ambientales y melódicos sampleos de jazz, soul y R&B. Perfectas bandas sonoras para días lluviosos, y aquel sentimiento de mobilidad en un mismo punto, dónde a pesar de la inmovilidad de uno, el tiempo y el espacio sigue en constante movimiento y expansión. 

DJ Shadow indudablemente un artista verdadero de hip hop, cuya ambición va mucho más allá de los estándares contemporáneos y pocas veces realmente apreciados. En la misma tradición que alguna vez encabezaba Grandmaster Flash, la reinterpretación de la música y de la cultura que se da a partir de la democratización de la tecnología. Fragmentos de películas, diálogos obscuros, inmiscuidos en olvidados pasajes musicales, que nos incitan a explorar más allá de las listas de popularidad, de explorar en los horizontes de las tiendas de discos en los rincones de la historia para crear nuevas películas y visiones para desafíar los oídos de aquellos que realmente se aventuran en la expedición. No es un viaje fácil, el delta del disco lo confronta a uno con su monólogo interno, en llevarte a esas carreteras y esas calles desiertas qué pocas veces transita nuestra mente. Pero esten tranquilos, al fin y al cabo es sólo una breve montaña rusa, que al final del día los regresará sanos y salvos al punto de inicio. El tiempo transcurrió frente a sus ojos y a pesar de su aparente inmovilidad ya no son los mismos. El viaje cambió sus almas para siempre y los expuso ante la obra de DJ Shadow, una reinterpretación del principio del final o un mágico ouroburos, ciclícamente en el comienzo de un fin anterior en un contiuum entre el tiempo y el espacio de la reproducción.

La majestuosidad de DJ Shadow para dejarse llevar por la música, del extraordinario Endtroducing... Midnight in A Perfect World.

Nos leemos pronto

Stephen Malkmus sabe lo que quiere el Senador.

Stephen Malkmus sabe lo que quiere el senador. Políticamente incorrecto, provocador y naturalmente irónico "Senator" nos sigue demostrando la genialidad lírica de aquel que alguna vez se vistió para el éxito. Estelarizado por Jack Black, otra joya más del "Mirror Traffic" de Stephen Malkmus & The Jicks.

Nos leemos pronto.

Los criminales del Copyright

Esta semana se encuentra bajo debate, una vez más, los nuevos paradigmas existentes entre el futuro de la industria discográfica, cómo industria, y los nuevos debates en los que debe de intervenir. Es decir encontrar nuevos mecanismos, para tratar de solventar y re enmendar los errores de los últimos diez años. En pocas palabras entender qué las nuevas tecnologías de intercambio de información no van a desaparecer y de que manera estas transforman nuestra cultura día a día.

Al igual que RIP: A Remix Manifesto, Copyright Criminals, es un estudio a la reinterpretación de la cultura y las fronteras legales de sistemas capitalistas en la lucha por hacer mayores ganancias a corporaciones y no a los artistas mismos. La industria discográfica se queja de la descomposición de aquellos sistemas viejos en los cuales los grandes peces se enriquecían en lujosas y corporativas reediciones de catálogos, hasta el día en qué el público se fue a buscar otras alternativas. Las videocaseteras no mataron a ninguna industria, ni tampoco los walkmans, ni los MP3. La humanidad dejó de compartir la cultura durante el medievo y miren como acabaron. Ahora mientras algunas corporaciones buscan mantener su dominación cultural, otros pelean por aquel derecho a compartir información y conocimiento, de democratizar el conocimiento y el acceso a la cultura, explotar la tecnología para crear nuevas ideas y revisualizar nuestra sociedad.

Jeff Mangum: Convirtiendo Wall Street en un sótano de Ruston.

Algunos lo llaman el Salinger del rock independiente, siendo responsable de la mitad de los grupos "raritos" de hoy en día (o por lo menos todos los que usen cornos franceses y trompetas para sus sombríos acompañamientos). Jeff Mangum incita a la intimidad, y con su reciente aparición en el All Tomorrow's Parties de Nueva Jersey, además de las noticias de una artesanal revisión a la obra de Neutral Milk Hotel, parece que el mundo tendrá de regreso al creador de In The Aeroplane Over The Sea.

Desde sus discos, Neutral Milk Hotel, es para escucharse detenidamente, percibir los elementos que crean una obra fantasmal y sobre todo sumamente intíma. Para escucharse en la cercanía de su reproductor, sin mayor distracción, para poder escuchar a Mangum dejar su guitarra y levantarse de la silla al final de "Two Headed Boy Pt. 2". Los afortunados presentes ayer en Wall Street, en el cual se rumoraba Radiohead haría una aparición secreta el viernes anterior, ayer se engalanó con la figura fantasmal de Mangum. En un video de baja calidad, qué le da un extraño aura y un romántico misterio sobre su figura nos vuelve a cautivar una vez más. Nos regresa a aquellas interrogantes que nos hicimos todos estos años, todas las leyendas y mitologías que se formaron alrededor de una obra inconclusa, un artista truncado, y todas las comparaciones a sus predecesores artistas (Brian Wilson, Syd Barrett, Roky Erickson etc).

Cortesía de Consequence Of Sound, y en compensación de la misteriosa presentación sin audios, ni videos disponibles del All Tomorrow's Parties, con ustedes Jeff Mangum

globalrevolution on livestream.com. Broadcast Live Free

La Cultura reinterpretada e interpretada (Postmodern: RIP - A Remix Manifesto)

Vivimos en un mundo moderno sistematizado, regido por estrictas reglas y legislaciones que sólo buscan limitar y dividir más a los seres humanos. Estos sistemas son también los responsables de innumerables debates que han sido desafíados a causa de la tecnología. La democratización del acceso y el poder que conlleva la información que intercambiamos en forma de cultura. La manera en qué se transforma el arte preconcebida y se reinterpreta en mixtapes, mashups, remixes. Son algunas de las preguntas que plantea RIP: A Remix Manifesto, una interrogante y como afecta en nuestra forma de consumir y reinterpretar nuestra propia cultura. Visiones sobre el consumo posmoderno y sobre todo una mecha diseñada para cuestionar nuestro propio rol en el debate.

Para todos aquellos que comparten cultura en cualquiera de sus presentaciones y para aquellos que buscan distintas maneras de crear arte, nuevas maneras de compartir ideas y unirnos de otra manera en esta aldea global en la que habitamos a partir de nuestra propio faro en el universo de los unos y los ceros. Con ustedes... RIP - A Remix Manifesto



Nos leemos pronto.

Mirror Traffic o El refrescante segundo acto de Stephen Malkmus.

Con un extraño toque de ironía que siempre estuvo presente en su música, la reunión de Pavement fue la mejor parada de toda la ola de nostalgia por los 90's que nos ha invdadido. Entre documentales, caras reediciones de los gloriosos años del alternativo y grunge, giras de nostalgia. Stephen Malkmus y compañía, regresaron tocaron otra vez sus grandes composiciones llenas de baja fidelidad, guitarras distorsionadas y melodías al borde del colapso. Después cada quien regresó a su vida, Malkmus retomó el disco que había grabado con los Jicks, bajo la producción de un tal Beck Hansen, que conoció en la escena hace 15 años y a la par se ha convertido en uno de los sobrevivientes y camaleónicos artistas de aquella generación. 

Mirror Traffic es un contagioso disco de buenas melodías que nos recuerdan los buenos días que pasamos con Pavement, pero aquí el pasado no se encuentra en cuarentena y se conecta con el crecimiento qué siempre se agradece ver en un artista. Malkmus no se repite y es el líder de una poderosa banda qué sabe tocar quedito y a la vez, poner la distorsión en los lugares correctos. Las letras siguen siendo expresiones sin tapujos, no se tienta el corazón y tampoco necesita mucha interpretación. Entre lo políticamente incorrecto y lo absurdo, sabe lo que quiere el senador y que las sentadillas son de burgués. Esto viniendo de aquel que se burlaba de los chavos alterantivos, los Smashing Pumpkins y alguna vez se vistió para el éxito aunque este parecía que no llegaba.

Con  Mirror Traffic Malkmus se sigue reinventando, en desarrollo a nuevas facetas, con su particular estilo de absoluta relajación y vale madrismo. Beck crea las atmósferas con los contrastes necesarios para que brille la genialidad de la música, y Los Jicks son el perfecto acompañamiento para este disco. Sin esposas que lo aten a la rutina de una banda y sin ninguna restricción. Ríanse del mundo un rato, bienvenidos a este extraño y psicodélico viaje que ve a Stephen Malkmus renacer una segunda vez.

Cortesía del New York Times (lugar donde ahora publican sus videos)

No One Is (As I Are Be)

Para después disfrutar la versión desenchufada y callada, para la televisión francesa.

La Maldita Vecindad se cambió de casa

Las grietas parece que ya existían desde hace mucho tiempo, sin embargo, eran pocos las que las podían ver. Escondidas entre sus diferencias, seguía la máquina que nos dio grandes canciones. Me atrevería a decir que la Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio, son de las bandas más importantes de nuestra generación.

Aunque siempre fueron ninguneados, por tener sus posturas ideológicas bien planteadas, que nos recordaban aquel discurso de The Clash, de retratar la cercanía y también tratar de explicar nuestro lugar en esta sociedad. Nos llevaban en un baile musical, que buscaba romper fronteras, mezclaban el punk, con los ritmos latinos, la salsa, el ska y el rock n' roll; mientras nos contaban historias de la calle, nos llevaban a circos imaginarios y rodeados de personajes singulares, nos conectaban con nuestra propia historia y nuestra cultura.

Podría seguir romantizando y contarles historias que tuve con su música. Cómo fue el primer disco de rock en español, que en un lejano 1992, me lo regalaron de cumpleaños en cassette, y a la fecha sólo conservo la cinta, su diminuto librito, perdido entre la inmensidad del paso de los años. De cuando entonábamos "Pachuco" para escándalo de nuestras maestras de primaria, al ver a unos escuincles de 7-8 años, en actos de rebeldía pura. La anarquía del punk había llegado a nuestras almas y nos hizo revelarnos contra el sistema que sentíamos nos controlaba, para convertirnos en complacientes ovejitas, uno más del rebaño de mentes, que no se cuestionaban, acerca de su entorno, acerca de las diferencias sociales y culturales, las cuales estaban relatadas en esos 11 tracks.

Eramos testigos de un circo de fenómenos y  exiliados, anormales del mundo. Algunas retratadas como criaturas de la noche y otros inadaptados, todos productos de la contradicción de la sociedad en la que vivían. Basta con fijarse en Poco De Sangre, Rafael o Mojado, por pensar en algunas canciones, que se encontraban muy cercanas con problemáticas que hoy se encuentran mucho más resaltadas en nuestra sociedad de hoy en día. Ahí estaban, cantaban desde la calle y para la raza, parecía un llamado a la comunión con la música, una reunión de baile, de exorcismos y de rituales urbanos. Era invocar los sonideros jamaicanos, las fiestas de las calles de Brooklyn, los sonidos de algún obscuro salón de baile, o algún love in perdido en el tiempo.

Hasta ahora sólo sabemos que lo que algún día conocimos como la Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio, ya no existe. Probablemente sean los choques naturales del ser humano, que constantemente se encuentra en reinvención y en un auto descubrimiento que los lleva a otras direcciones, probablemente sea sólo un ingenioso truco publicitario para luego anunciar un cotizado regreso a los escenarios a revivir la nostalgia a la que ellos mismos habían caído. Pero aceptémoslo, nosotros fuimos los que pedíamos constantemente sacar del pasado aquellas canciones, así que seremos también responsables de como matamos el futuro por quedarnos atascados en el pasado.

Sólo el futuro nos dirá si volveremos a ver a La Maldita Vecindad otra vez juntos, por ahora nos quedamos con un amargo final, entre sus anuncios oficialistas y la realidad que hasta ahora sólo se queda en supuestos y sospechas. Al final, nos dieron una carrera de 25 años, de brindarle al mundo Paz y Baile, de grandes discos, himnos de nuestro rock mexicano y música que esperemos sea recordada en otros 25 años. El circo retira su carpa y se va, sin saber cuando regresará. Adiós Maldita Vecindad y Los Hijos del Quinto Patio.





Nos leemos pronto.

Las Aventuras de Rain Dance Maggie y el viaje de los Red Hot Chili Peppers

Creo que el regreso de los Red Hot Chili Peppers, era un tema hasta cierto punto angustiante, incierto y sin saber realmente que se podía esperar de una nueva encarnación de una de los sobrevivientes de los 90's. Aunque suene extraño, hablar sobre aquellas bandas de la "generación alternativa" es enfrentarse a la realidad que le vendieron los medios a una generación, una escena que acabó en sus propios tributos, algunos que sucumbieron ante su propio mito, y una aparente nostalgia que nos invadió prematuramente.

La historia de una banda y su música se encuentra conectada entre las entrañas más profundas de cada individuo y para aquellos que alguna vez se consideraron "alternativos", por ser un término que definía a nuestra generación, a nuestros noventas. Son todas aquellas conexiones que teníamos con la música en el principio del ocaso de la era del CD. Sin embargo, eso nos llevó a seguir bandas incesantemente, en espera de un nuevo disco, en espera de un nuevo pedazo de metal que iba a convertirse en parte de nuestros sistemas. Ingresaba a nuestros revolucionarios Discmans, y se insertaba un nuevo chip, configurado con aquellos sonidos que tanto habíamos esperado. 

Recuerdo el Californication como uno de los discos a los que suenan mis años de secundaria y sé que también el de muchos otros. Esperabas ansiosamente escuchar el esperado regreso de una banda, que ya tenía 10 años de kilometraje, un par de sobredosis y cicatrices borradas en medio de sus hermosas baladas. Aunque era todo parte de un crecimiento, al cual también tú estabas sujeto. Agudizamos nuestras pieles al mismo tiempo que su sonido se solidificó en un sonido más maduro. Lentamente nos empapamos de sabiduría de 4 viejos lobos de mar, que ya habían visitado el infierno y regresaron para exorcisar a sus demonios con esos riffs, y esos coros.

Cada viaje a lo desconocido, empieza con "Soul To Squeeze", cada comienzo a esas expediciones que uno va creando, mientras se dirige a reencontrarse de nuevo. A buscar aquel sentido que Wyatt y el Capitán América decían que buscaban. Aquellos lugares a los que sólo los elegidos llegan. Ahí se encontraban ellos, observando y con ese lienzo puesto para pintar sobre él, crear una nueva historia. Estan ahí cada que suena California en mi mente, estaba ahí cada que MTV y la radio (sí, esa que se parece a The Boat That Rocked), estrenaba alguna de sus canciones nuevas. Mientras ansiosos esperabamos por la fecha especial en la que veríamos un nuevo disco a la luz.

Con el tiempo, creo que la emoción se ha disipado un poco. Del Californication al By The Way y subsecuentemente al fallido Stadium Arcadium, cada vez nos emocionamos menos por lo nuevo, de repente parece que aquella banda que tanto amamos, se disipaba en otras expresiones y proyectos de sus integrantes (Chickenfoot, los varios discos solista de John Frusciante y Flea como estudioso del jazz en su regreso a las academias de música). Con la salida de Frusciante, otra vez nos entró el pánico y la incertidumbre de que otra vez perderíamos a los Red Hot Chili Peppers.

Sin embargo, ellos se han reinventado muchas veces, y a pesar de todo siguen siendo un conjunto unido a través de una idea musical. No sabemos aún lo que depara su nuevo LP, sólo sabemos que siguen encontrando nuevas maneras de explorar su propia música y salirse de sus propios moldes. The Adventures of Rain Dance Maggie, suena a los Chili Peppers, nos sigue evocando aquellas melodías cálidas y veraniegas, nos sigue evocando aquellos paisajes Californianos, aquella mezcla entre el glamour y el hedonismo. Nos vuelven a recordar lo entrañables que son para nuestra generación, son sobrevivientes y exiliados del tiempo, sobrevivieron a su propia perdición y a las tentaciones que muchos de su generación, nunca pudieron. Nos han enseñado a crecer y a envejecer con estilo después de casi 30 de haber irrumpido a nuestros reproductores, para nunca dejar de acompañarnos con sus inolvidables melodías. 

Get More: Red Hot Chili Peppers, Music, More Music Videos

Nos leemos pronto

Lollapalooza 2011 - Parte 1 -

Fear And Loathing in Las Vegas, es un viaje que nunca podría reconstruirse sin el Dr. Thompson. Y sin embargo, tampoco estoy diciendo que mi presencia fue imprescindible para que Lollapalooza 2011, no pasará. Solamente pasó, vista desde esta óptica que, un par de días después, y con la resaca del viaje solamente presente en mis pies, todo lo demás se encuentra plasmado en recuerdos, en momentos interconectados a otras vidas, a otras experiencias y a otras cosas. Es difícil reconstruir la historia, que para su servidor había empezado una semana antes, en medio de noches sin dormir, extrañas incertidumbres y sobre todo un boleto que llevaba meses esperando con mi nombre, en espera de un viaje sin retorno. "Buy the ticket, take the ride..."

El molesto sonido que anunciaba el aterrizaje a la ciudad de Chicago, ya no sabía bien en que momento me encontraba, ni tampoco la ciudad. En medio de autobuses, aviones, metros e interminables avenidas, había caminado sin rumbo aparente, tratando de conectar las razones por las cuales hoy me encontraba ahí. Desconectado de la realidad, sin saber qué es lo que esta pasando en el mundo, no me interesaba saber qué el mundo se cae a pedazos y en medio de las llamas, los mercados económicos vuelven a desplomarse, cuando a mi me explicaron la crisis económica un sábado por la tarde, en medio de un par de cervezas, extraños conocidos se habían hecho mis amigos y mis cómplices de viaje. Estaba ahí unido con otras 90 mil almas, en medio del parque Grant, en aquel monstruo corporativo que te empaca la rebeldía, patrocinada por Sony y Toyota. Aquel festival apodado Walmart en el Lago y te ofrece excelente comida gourmet, una borrachera con vino y banderillas de langosta, mientras frente a tus ojos pasa todo desde un episodio de Jersey Shore, hasta los chavos alternativos perdidos entre los anaqueles de Urban Outfitters, que buscan una respuesta frente a un mapa musical, como si este tuviera poderes mágicos, aquellos que te llevan a encontrar los tesoros. El verdadero Santo Grial. O por lo menos alguna epifanía mientras un concierto de rock, te cambia la vida otra vez. 

 De alguna la historia se escribe de otras maneras de como la enseñaban en los libros de historia. Presenciar historia es ver a Big Audio Dynamite mientras te explica la crisis económica en 3 minutos y medio.

O mientras Damian Jr. Gong Marley uno de los 11 hijos del gran Bob, reinterpreta la música de su padre. A Perfect Circle, reimaginando Imagine como un extraño fondo musical para tiempos inciertos, y que en ese momento encapsulaban un aparente regreso a la nostalgia de una generación pérdida que terminó hace diez años y hace 20 empezaba con un evento como Lolla. Para los que estaban ahí, eran ellos quienes desafiarían al resto del mundo, por un lapso de tres días, nos encontramos en un universo alterno, nos unimos para cantar aquellas canciones y puedo asegurar que hasta lloramos con ellas. Le dimos las gracias a Perry, por haber instigado esta revolución, por haber iniciado la chispa que nos unía esos días. Nos hizo reconectarnos con nuestras propias raíces musicales, nos sacó al pasado de la cuarentena y nos dejó satisfechos con quienes somos hoy. Al terminar, mientras caminábamos por la avenida Columbus, con una sonrisa en nuestros rostros, lodo en nuestros tobillos, nos sentíamos conquistadores, sabíamos que ese boleto valió la pena cada centavo, que cada ampolla valió cada minuto de dolor, cada nota que escuchamos nos hizo sanar y nos trajo de regreso a nuestro hogar. De aquel que quisimos huir hace un par de días y como Holden Caufield, regresamos después de una visita al parque. Parece que sólo fue eso.

Nos leemos pronto.

Vomit - Remedios contra los coritos melosos y planos

Música reconfortante, hecha con pasión y mucha emotividad. Girls, parece prepararnos para un disco épico, y 'Vomit' es la prueba de un sonido complejo, unido, una pared de sonido, entre distorsiones, órganos exorcisados y un coro gospel qué es la búsqueda de la redención dentro de una neblinosa melodía de 6:24. 

En aquella batalla entre la luz y la obscuridad, se escucha sangre, sudor, y lágrimas. Se escuchan almas expuestas, en aquellos riffs, en aquellos cánticos en comunión, en aquel endemoniado solo de guitarra qué despedaza todo, regresa todo a la calma y termina disuelto entre un coro. Almas en pena que parecen escuchar la redención y la salida en aquellos acordes. En esta época donde predominan los coritos melosos y planos, es sumamente reconfortante escuchar otra vez, algo que suena apasionado, algo que te mueve. Es reconfortante escuchar a una banda que se arriesga a hacer música del alma y en el proceso extirpar la tuya, llevarte de regreso a esos acordes con los que viste la luz otra vez. 

Nos leemos pronto.

La historia y los Foo Fighters

Los documentales y películas sobre bandas de rock, generan polémica. Hacen más grandes los mitos, además de mirarlos con un poco de nostalgia, nos vuelven a generar aquella conexión con la música y el sujeto. Entiendo que los realizadores hacen estos trabajos cinematográficos con dedicación y amor, aquí se muestran verdaderas expresiones de honestidad en la que la música es el protagonista. Este es el elemento que da vida a todo. El Génesis.

Esta historia comienza en 1994, con una tragedia y el fin de una era. Sin embargo, para Dave Grohl, comienza un viaje de crecimiento, una nueva historia. A momentos me pareció similar a The Lion King (que irónicamente salió ese mismo año). La muerte de Cobain cómo la de Mufasa, parecen ser momentos que definen el fin de toda una historia, y cambian el juego. Hacen madurar a los protagonistas y encontrar su propio camino, su propia originalidad, para dejar su propia huella en una nueva historia. Para este punto, querido lector, no le he revelado nada de lo que presenta este documental. Esa es sólo la introducción, al mundo de una de las bandas más entrañables de los últimos quince años.

Back And Forth no es simplemente un trabajo nostálgico que sólo le aplaude ciegamente al artista, también los confronta con la realidad, con la lucha de egos que nace a partir de Grohl, quién ha sido considerado uno de los mejores bateristas de los últimos veinte años por lo menos, según el conocimiento popular y de la prensa “especializada”. Además de revelarnos las nuevas facetas en la cual ellos son una banda de rock de adultos. Aquí no nos presentan una banda de desmadre, por lo menos hoy no lo son. Nos presentan a 5 músicos, adultos, concebidos ya en otra concepción de vida, sin autodestrucción, vicios, adicciones. Nos llevan a la intimidad de su vida, alejada de la prensa, el escándalo, la celebridad absoluta.

Esta historia sólo puede llegar a tal emotividad, si usted querido lector conoce las canciones. Si recuerda la primera vez que escucho Big Me en la radio, vio “Learn To Fly” en su divertidísimo chiste musical, recuerda aquella serie de televisión que usaba “Next Year” para su entrada de créditos. A lo largo de 16 años los Foo Fighters y su servidor hemos crecido juntos, han dejado su marca de maneras inconmensurables en nuestro subconsciente, y en nuestro soundtrack.

Nos recuerdan cual es la magia de sentarse en un cuarto, agarrar un par de instrumentos y hacer música con tus amigos. Nos recuerda a esa sencillez, de querer cantar y crear música que nos marque, que deje huellas en nuestras vidas y en las de los otros. Nos recuerda que todos estamos aquí, porque un día escuchamos una canción, con la cual emprendimos un viaje, del cual nunca regresamos, qué un día decidimos tomar una guitarra, un bajo y una batería, y hacer ruido. Nos regresa a ese sentimiento de que empezamos a hacer esto, porque no había otra cosa que nos moviera tanto, que nos pudiera dar llanto y alegría en iguales dosis de emoción. Aquel sentimiento de que estamos aquí, porque elegimos este camino y no hay nada mejor. Saber que si tuvieramos la oportunidad de volverlo a hacer, estoy seguro de que lo haríamos de nuevo. Saber que todo comenzó después del 1, 2, 3, 4… 

Nos leemos pronto.

Arcade Fire y la Regla # 32.

Probablmente ya no se necesite decir mucho de Arcade Fire, ya que si nos ha escuchado en los últimos 5 años en cualquiera de sus facetas (como música para iniciar los conciertos de U2, cantar "Take me out to the ballgame") o simplemente ganar el Grammy por mejor Álbum en el 2011, además de tener 3 sólidos álbumes diseñados para escuchar, gozar cada minuto de aquellas extrañas melodías y tener música que sobre todo se identifique con nosotros, nuestros sentimientos y nuestra existencia.

Arcade Fire ha creado los himnos de nuestra generación o así los podría llamar, cuando he cantado sus coros en extáticos momentos de felicidad, se ha incorporado al soundtrack de muchas vidas y día con día acompaña al mundo con música que simplemente nos hace deternos. Meditar un poco, y atesorar las pequeñas cosas (Sí, justo como la regla #32 "Enjoy the little things"), como una canción. Un coro que llega a tus entrañas y te quita las máscaras, te desnuda ante tu verdadera identidad y te transporta a un mundo imaginario, en donde los centros comerciales se convierten en hermosos monumentos de la modernidad y de nuestra propia decadencia, y transformando esos monumentos urbanos en obras de arte, esperemos no tan efímeras, como una canción pop de 5:26.

Cortesía de Sound Opinions (el mejor y único talk show musical) con ustedes desde Montréal para el mundo... Arcade Fire.


Arcade Fire perform "Sprawl II" on Sound Opinions from WBEZ on Vimeo.


Nos leemos pronto y gracias por visitar.

Tricky En Vivo o un intento de ser lo que nunca quiso ser.

Tricky tiene todos los elementos para hacer un concierto memorable. Una excelente banda en vivo, un gran repertorio de canciones y una de las experiencias sonoras, equiparables con sus primos Massive Attack. Sin embargo, la experiencia resultó ser tediosa, excesiva y hasta cierto punto innecesaria. 

Empezaremos por la primera hora que el público tuvo que esperar en lo que el show empezaba, para recibir un concierto que sonaba mal. Vocales perdidas, atmósferas planas y casi inexistentes, en un intento de ser una banda de rock y sonar crudo. Justamente se alejó de aquel sonido característico, pesado y envolvente, para dedicarse a coverear "Ace Of Spades" en una versión sobrante y que poco a poco causo mi desconexión con el espectáculo. Mientras sus movimientos en el escenario se asimilan más a quererse sentir 50 Cent o algún rapero sin camisa, por otro lado busca sentirse un rockstar y querer subir al público, a bailar o echar desmadre, en medio de atmósferas de aislamiento y un espectáculo que no es Girl Talk. 

Además de no tener virtualmente ninguna comunicación con el público traía una pose demasiado egoísta y auto absorbida. El espectáculo que esperaba no era el de un rockstar de pose, y tampoco era un espectáculo tedioso, sin dirección, y sin generar ninguna conexión. El público a veces se conectaba en un baile zombie con la música, en otros momentos se perdía en miles de pedazos, para aplaudirle a un ego en dos patas, que además tiene el lenguaje corporal similar al de un instructor de baile para señoras. Desafortunadamente son experiencias que pesan, el viaje de dos horas, fue cansado, de pocas recompensas y me dejó con un sabor de boca, de insatisfacción total. Aún cuando tiene una gran grupo de músicos, gran repertorio de canciones, y todo el potencial para hacer un viaje musical de dos horas, en el que lleves al público por un mar de emociones y atmósferas sonoras. No en un viaje de montaña rusa, que te deja de gustar, después de una hora de show. 

Ni el hecho que homenajearan (a mi parecer), "Glory Box" de Portishead e inmiscuirla en medio de sus propias composiciones (sampleando la original Ike's Rap II de Isaac Hayes -pequeña fe de erratas-) lo pudo rescatar para acercarnos a la música, los hizo un espectáculo completamente alejado, impersonal y sumamente desinteresado de generar una conexión con el público, y no refiero al hecho que se quiere sentir Iggy Pop, en medio de ritmos de dub. Sino que terminó el concierto en un acto más desesperado de publicidad y morbo, que en cerrar un concierto y callar a los escépticos. En disco existe esa conexión, logra llevarnos a través de tantos paisajes y recorridos atmosféricos, a caminos nocturnos, contemplativos y sumamente gratificante. Pero en vivo, es meramente un intento de ser lo que nunca quiso ser. 

Lunes de campechano musical.

Así es señoras y señores, el fin del mundo no se acabo, los delfines siguen aquí y es lunes de regreso a la realidad y a la rutina de la ratonera. 

El día de hoy no los interrumpiremos con textos incómodos, que incluyan muchos adjetivos o que de alguna manera digan que el autor de este texto busca sentirse importante. Aquí sólo escribimos de música, bajo nuestras propias reglas, y el silencio se encuentra a un clic de distancia. Así que si se toma los comentarios presentes de manera personal, no lo haga. Esto sólo es música pop, que no debe tomarse tan en serio. 

Primero les comparto un poco de música para que su lunes se vuelva menos miserable y al ritmo de Primal Scream, se alivianen las penas por regresar a la realidad de la rutina. Es un grito para el regreso del viernes o bien, es un viernes eterno, que llega sin importar el día. En un lanzamiento próximo, Screamadelica Live, retrata la reciente revitalización del álbum, en su celebración de 20 años, un disco fundamental para los amantes del rock y de los beats, y la mejor introducción para Primal Scream.

Loaded - Primal Scream

En otro de los regresos de viejas luminarias de los ochenta, y no me refiero a la explotación de la nostalgia de Joy Division/New Order, con su lanzamiento de compilaciones dirigidas a la cartera y con la inclusión de "Hellbent" un track "inédito", qué desafortunadamente es un mero retazo de ideas poco inspiradas e insípidas, buscando revivir la gloria de New Order, y tratar de encubrir un amargo final.

Sin embargo, no nos referimos  a esta resurreción, sino al nuevo material de Peter Murphy, quien ha buscado salirse de su propio molde creado con Bauhaus (y a pesar de caer en la nostalgia de su éxito previo), son claros ejemplos que saben ponerle fin a las cosas. Son artistas que respetan su propia obra y respetan la fidelidad de su audiencia que lleva 30 años pintándose de vampiro y se ha deleitado con la banda de post -punk o goth rock por excelencia. Hoy Murphy sigue buscando nueva inspiración para hacer música, más allá de alimentar sus propios fantasmas.

Seesaw Sway - Peter Murphy

Peter Murphy - Seesaw Sway by nettwerkmusicgroup

Nos leemos pronto y gracias por estar aquí.

Ian Curtis o Aquel que nos recordaría nunca alejarnos en silencio.

Ian Curtis se fue de este mundo un 18 de mayo de 1980...

Esto fue lo único que pude redactar, momentos antes de darme cuenta que estaba realizando un texto oficialista, que meramente repetiría la información básica y los reconocimientos musicales de Joy Division y su legado, de darnos 30 años de imitadores, charlatanes y grupos mediocres, que buscaron imitar su sonido. 

Los recuentos biográficos e históricos se los dejaré a Tony Wilson, Deborah Curtis y los estudiosos y académicos del período, en el que pueden ahondar con mayor profundidad en tratar de entender y descifrar la personalidad de Curtis, además de buscar todas las conexiones que existen entre sus letras. 

Por ahora sólo buscamos hacer un pequeño tributo para uno de las figuras más míticas y reverenciadas de los últimos 30 años. Un mártir y un mito que creado a partir de una carrera fugaz, que terminó un 18 de mayo de 1980, en la víspera de un tour por Norte América, qué les abriría las puertas, como un debut en sociedad. Y así sólo queda el recuerdo o el mito del Factory, en el cual nos gustaría haber presenciado a Joy Division, a punto de convertirse en un fenómeno de culto, que tres décadas después nos sigue recordando aquel estribillo que decía que el amor era lo que nos iba a separar o aquel que nos recordaría de nunca alejarnos en silencio. 

Ian Curtis (1956 - 1980)


Joy Division - Atmosphere from Wes Dorris on Vimeo.

Reimaginando Africa con Low

Un momento "Universal" por excelencia, y una canción que a la fecha me produce escucharla completa en la radio, además de generar extrañas conexiones, ligados a momentos específicos y aquellas emociones cada vez que la escucho.

Cortesía del AV Club, Low reimaginando "Africa".

Low covers Toto

Nos leemos pronto.

Inversiones a la nostalgia del trajeado Pink

Con mucha renuencia y un cierto grado de escepticismo, me acerqué a la noticia del (re)lanzamiento de la discografía "remasterizada y reempacada"de Pink Floyd. A la fecha he comprado la discografía completa, con la excepción de un disco en vivo, 3 versiones del Dark Side Of The Moon, 2 ediciones de The Wall (VHS y DVD), 2 reemplazos de discos perdidos o rayados de uso, un par de rarezas europeas y demás parafernalia concerniente a Pink Floyd. Sin contar libros, enciclopedias, posters, etc. 

Es decir, he ocupado gran parte de mi vida a sumergirme y rendirme ante su música, cómo las millones de personas que "han sido influenciados por Pink Floyd". No niego que representan grandes cosas en mi vida, ni que cambiaron la forma en que percibo la música, el arte y sobre todo un grupo cuyas líricas te hacen consciente de tu propia existencia. No niego que me he pasado noches enteras saboreando, y disfrutando cada uno de sus discos, en ejercicios de repetición, en ciclos enteros que están musicalizados y guardados en aquellos pedazos de metal, de acetato, o peor aún arrumbado en una configuración de unos y ceros en medio de una biblioteca de archivos digitales. 

No niego que he invertido una vida en la música, que estoy seguro le ha dado un cómodo fondo de retiro a Waters, Gilmour, Mason, Wright y Barrett, y de por medio a un par de trajes. O que he invertido cuantiosas cantidades en espectáculos sobremediatizados, entretenimiento para las masas abordando la alienación pura del individuo, y a pesar de la palomita visual, ser capaz de llevar a las lágrimas a su humilde servidor durante "The Thin Ice", en momentos de éxtasis puro y un acto catártico de presencia. He caído en la nostalgia de revivir a los dinosaurios, en caer en el engaño de ver un grupo de covers de mi música favorita, y sustituir las piezas faltantes en imágenes creadas en mi propio imaginario, en incluir aquella fotografía en otro montaje visual y sonoro. En crear una imagen perfecta que le corresponda al mito que he creado o mejor dicho al monstruo, que hoy se ve en la dicotomía de volver a caer en la nostalgia y reinvertir cuantiosas cantidades de dinero en re-ediciones, que apelan más a la cartera que al corazón. 

Pero en el fondo, hay una parte que sigue conectada y atada a la música. 

Y si en el fondo, todo siempre fue por la música, en aquella proposición romántica e idealista, entonces seguramente ahí estaré el 27 de septiembre comprando por segunda o tercera ocasión, las canciones que cambiaron mi manera de ver el mundo. Pink Floyd me ha llevado a un cuestionamiento constante, ha llevado a muchas preguntas, a cuestionar todo lo que se presenta frente a mi, a reír, llorar, a cantos de redención, a momentos de la soledad absoluta, de construir y derivar muros, de emprender travesías sonoras al lado obscuro de la luna, al corazón atómico y a muchos lugares que se encuentran resguardados en un pedazo de metal, acetato o es sólo una extraña configuración de unos y ceros, bajo el nombre de un tal Pink.

Nos leemos pronto.

Blues para la deuterofobia con Booker T. Jones

Es lunes, aquel odioso y tortuoso comienzo de nuevas cosas, y hay días en las que uno siente que nació bajo una mala señal. Hay días en las que el blues hace sentido para acompañar los pesares del alma y hacer más llevadero los pesares que cargamos, así que con ustedes una de las leyendas del blues y rock clásico Booker T. Jones, nos ofrece nuevas maneras de admirar y apreciar la música. 

Así que si usted hoy sufre del blues, espero que la música de Booker T. le de algo de medicina para el alma, recuerde este es un sentimiento pasajero, que se puede curar con una buena canción. 

Con ustedes Booker T. Jones en vivo para la National Public Radio...

Nos leemos pronto.

Los Beasties o 25 Años de Lucha por Su Derecho de Fiestear

Los Beastie Boys llevan 25 años peleando por su derecho de fiestear como se debe y divertirse horrores en su trabajo, ahora extienden la diversión a un pequeño cortometraje / videoclip, en una continuación del clásico "Fight For Your Right to Party". Reparten rimas por doquier, visionarios musicales y pioneros de una nueva generación de hip hop, Ad Rock, Mike D y MCA, con la ayuda de un grupo de actores como Will Ferrell, Elijah Wood, Seth Rogen, Jack Black, Susan Sarandon, Rainn Wilson, Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Laura Dern y un largo reparto de apoyo, "Fight For Your Right Revisited", nos regresa 25 años con un poco de nostalgia, mucho humor y una gran dosis de cerveza, martillos y excesiva diversión. 

Una de las mejores piezas cinematográficas de este 2011, con ustedes la irreverencia única de los Beastie Boys y "Fight For Your Right Revisited"

Nos leemos pronto. 

This Is Why We Fight

The Decemberists se distinguen por siempre tratar de llenar espacios con preguntas, o con extraños relatos y fábulas. Crean cuestionamientos existenciales sobre nuestra identidad, después de hacerle merecidos reconocimientos a sus ídolos R.E.M. y The Replacements. This Is Why We Fight, nos recuerda al señor de las moscas, a aquellas fábulas de realidades distópicas que pareciera que son inspiraciones de Paul Auster o Mad Max, y en el fondo nos llevan por un proceso de reflexión sobre nuestro estado de conflicto natural.

Al final, dejan todo a la imaginación del espectador, sin antes humanizarnos una vez más con los rostros de la inocencia perdida que busca resarcir los errores de otros. Buscan un mejor lugar, inspiran a un mejor futuro y son aquellos que cambian sus propias existencias a partir de las cosas sencillas y primales de la vida. 

De su maravilloso álbum The King Is Dead... con ustedes The Decemberists

The Fall o el desaparecido arte de escuchar un disco.

Oficialmente llegó el 25 de diciembre, aunque a diferencia de Jesús o de Santa, The Fall nunca buscó ser un disco transformador o un salvador de nada. Simplemente fue concebido cómo un acompañante para el camino, una distracción de la soledad y alienación de la vida en el camino.

The Fall no es Gorillaz en su máxima extensión. Este disco es una exploración de Damon Albarn, por sus expediciones desde Malí, hasta Phoenix. Pequeñas viñetas musicales, que implican movimiento, y que se vuelven la banda sonora para un viaje imaginario, lleno de ocasos inolvidables, vistos desde un cuarto de hotel, una ventana de un camión o simplemente desde algún lugar escondido en nuestro imaginario colectivo creado con películas, canciones y fotografías de un lugar que nunca existió realmente.

Un poco de melancolía y añoranza, distintos estados de ánimo y distintos lugares. Damon nos invita una vez más a ser pasajeros con él, en un viaje por Norte América, en busca de nuevos sonidos, nuevas maneras de ver la música y de imaginar aquellos lugares de otra manera. Viajamos desde las frías temperaturas Canadá hasta la visión desértica, cinematográfica del desierto y la costa oeste. The Fall es una obra que lentamente va revelando un viaje de 32 días, por un lugar atemporal y casi ficticio, demanda que se escuche de día y de noche. El mayor encanto es que remite al escucha a volver a tomar ese viaje musical, a sumergirse a un mundo mágico, alejado del sonido del éxito y el glamour. The Fall, de alguna manera es una reflexión a aquella contraparte, que involucra la soledad, el aislamiento del mundo y aquel sentimiento de alienación, que afortunandamente sigue siendo la inspiración para grandes discos.

 

Nos leemos pronto.

Nine Types Of Light, una película con TV On The Radio

Distintas maneras de aproximarse a la música, distintas concepciones de una misma idea, un poco de ficción, un toque de imágenes oníricas y de libre asociación, un poco de auto parodia, y hasta un homenaje al "geniecillo de Minneapolis". Estos son algunos de los elementos que se encuentran en este largometraje inspirado en el Nine Types Of Light de TV On The Radio.

Tratar de encontrar un hilo conductor a esta película, se podría entender a partir de las canciones que nos entregan en su cuarto disco. Una vez más, nos llevan por melodías contagiosas y llenas de sensibilidad pop, inmiscuidas entre arreglos rugosos y un tanto crudos. A lo largo de una hora, TV On The Radio, se convierte en protagonista, en narrador, en espectador y también en el centro de atención de historias abstractas alrededor de diez piezas que como la música exploran distintos lugares, sentimientos y momentos.

Con ustedes... Nine Types Of Light



Nos leemos pronto.

Clases de música sin dolor.

Para todos aquellos que han tenido que aguantar los horrores de los videos instructivos para aprender a tocar un instrumento musical, estas nunca serán las mismas gracias a Jens Hannemann y sus técnicas de batería, que harán que usted no vuelva a adquirir ningún otro curso. Diseñado para todos los bateristas, aquellos músicos de profesión y aquellos que se creían ser causas pérdidas, con ustedes el método de Jens Hannemann.

Nigel Tufnel es uno de los guitarristas más innovadores de los últimos 40 años, al tener la primera guitarra que lo lleva todo hasta 11. Uno de los miembros fundadores de la legendaria, extravagante e histórica Spinal Tap, en una clase magistral con Steve Vai ( para aquellos que aprecien y sean amantes de los solos guajoloteros). Pero no habrá ningún guitarrista con el ego del gran Tufnel, y con el humor que sólo Spinal Tap puede hacerlo.



Nos leemos pronto.

Girl Talk: ¿O el arte de picar botoncitos?

 Alguna vez habíamos dicho que Girl Talk, tiene la chamba que todos quisieramos tener. Poner rolas en fiestas masivas, haciendo giras por todo el mundo, además de ser uno de los artistas del remix más aceptados por toda la industria musical. Sin embargo, Gregg Gillis nos demuestra que su espectáculo en vivo no es nada más el simple hecho de picar botoncitos, y su música esta creada a partir de procesos más complejos que seguramente los heredó de la bioquímica.

Con ustedes Gregg Gillis (GIRL TALK)...



Nos leemos pronto.

Experiencias musicales con aquellos que se dicen llamar "Tortoise"

Acepto que no soy periodista, nunca lo he sido, ni tampoco pretendo serlo. Aquí se escribe sólo una versión de las cosas que realmente pasaron, y el resto se lo dejamos a aquellos que cuentan asistentes, canciones y utilizan lenguajes de plantilla para recrear momentos mágicos e irrepetibles.

En el escenario puedes presenciar la manera en que cinco individuos intercambian líneas, ideas, fragmentos. Cada uno contribuye con su propio sonido y ritmo, para crear piezas de contemplación absoluta. Simplemente uno debe de dejarse llevar por la música. Si buscas complejizar los arreglos, ritmos o la instrumentación, te aseguro que te perderías como si estuvieras en un supermercado sin rumbo absoluto. Enfocas en un pequeño fragmento, y la música te lleva a fijarte en otros detalles, a otras notas, te das cuenta que hay algo más ahí, pero no sabes exactamente qué es. Centras tu atención en otro punto, como aquella pintura que tanta fascinación te causaba, o aquella fotografía que puedes mirar por horas, encontrando nuevos detalles, nuevos ángulos, nuevas maneras de ver la música. 

Los denominados críticos de música, dirían que Tortoise, - mencionarían sus influencias con el ambient, el punk, el post rock, el jazz, el krautrock, todos estarían comparados a los sonidos de otros "exponentes del género". Incluyen la sede, la cantidad de asistentes, y agregan adjetivos rimbombantes, para tratar de describir un momento tan especial, e irrepetible.

Lo único seguro es que ayer, no pude discernir de ningún género, no puedo decirles que "tocaron los éxitos, que el público cantó a todo pulmón, o que los asistentes se congregaron a escuchar una banda cuyo nombre cada quien pronuncia como puede." Tortoise es una banda para escucharse, para disfrutar más allá de saberse los nombres. Es poder hacerte cerrar los ojos, perderte en un momento de éxtasis, de desconexión total, de todo lo que hoy en día nos rodea en el mundo. Implica poder encontrar aquellas hermosas melodías en medio del ruido industrial y el ruido de alrededor. Es llevarnos a ese lugar imaginario, por un par de horas, para vivirlo, experimentarlo y probablemente después de todo, tratar de contar lo que pasó.

Nos leemos pronto.

El día que Rainn Wilson se unió a Blitzen Trapper

Para aquellos amantes de la versión americana de "The Office", saben que semana con semana Rainn Wilson interpreta al lunático e irreverente Dwight K. Schrute, en las extrañas peripecias en el día a día de Dunder Mifflin. Sin embargo, esta semana Rainn Wilson decidió unirse a Blitzen Trapper, aunque sea por un día. 

Con ustedes The Blitzen Trapper Massacre.

The Blitzen Trapper Massacre from Brian Adrian Koch on Vimeo.

Un poco de Springsteen antes de su llegada a la Isla Desierta

En los preparativos para la segunda parte de los Discos de la Isla Desierta, Bruce Springsteen aparecería en mi lista extendida varias veces, sin embargo, eso lo abordaremos más a fondo en otra edición. Por mientras les comparto esta rendición, realizada  el día de ayer en la estación de radio pública de Nueva York WNYC, a cargo de Mac McCaughan (miembro de Superchunk y además uno de los fundadores de la disquera Merge), al tema "Bobby Jean" del jefe de jefes: Bruce Springsteen.

Además de que pueden escuchar el programa completo aquí.



Nos leemos pronto.

Visita a la Isla Desierta Primera Parte

Isla Desierta

 La premisa siempre ha sido muy sencilla y en algunos casos estos escenarios han sido los protagonistas para series de televisión enteras. ¿Qué pasaría si quedarás atrapado en una isla desierta? Si tuviera la posibilidad de recolectar una lista de discos, libros y películas, ¿Cuáles serían? ¿Qué elegiría como el fiel acompañante en una inhóspita y desconocida tierra?

Hacer estos ejercicios imaginarios en donde uno se transforma en un curador profesional, para seleccionar la obra que lo acompañaría, y que de ahora en adelante, será referencia clave para conectar los axiomas entre el tiempo y el espacio, para conectarlo con aquellas fibras emocionales y aquellas obras que siempre nos regresan a ese primer instante de presenciar epifanías en una película, un libro y un disco.

Discos para la Isla Desierta


 Neutral Milk Hotel – In The Aeroplane Over The Sea
Apuesto a que si Kurt Cobain se hubiera una playera de Neutral Milk Hotel, serían incluso mucho más conocidos. Pero no importa, me gusta tener aquellos grupos que son míos y cuyo gusto compartido se encuentra sólo en algunos individuos que empezaron a buscar por otras direcciones. Buscar por aquellos caminos poco explorados, fue lo que hizo Jeff Mangum, al crear este tributo a Anne Frank, a alguna fantasía creada en la mente de un niño con cabeza de radio transistor.

He pasado noches enteras tratando de descifrar sus crípticas letras y sin embargo cada que lo escucho, me pongo a pensar que no quiero saber realmente de que tratan aquellas canciones. Simplemente regresare a escucharlas una y otra vez, a sumergirme a ese mundo que grita mientras se cae a pedazos, en el que vive Ana (no sé si es Frank, algunos dicen que sólo es su fantasma), otros creen escuchar la voz del niño de dos cabezas, o simplemente esperan a ver el aeroplano sobre el mar y contemplar aquellas imágenes, aquellos sueños y personajes oníricos, desfilará ese circo de personalidades y criaturas, que durante el día se esconden, para rondar mientras no los vemos.

Este es mi disco para escuchar en un tocadiscos viejo, acompañado por el sonido de la aguja en los zurcos, que viaja a 33 revoluciones por minuto en mi cabeza y lentamente te transporta a Holanda en 1945, o a aquel café español que creíste haber escuchado en algún cuento, sin embargo, es una oportunidad para embarcarse dentro de otros mundos, Fantasías, Sueños, seres de otras mitologías y personajes de mundos que volvemos a visitar cada vez que viajamos en aquel aeroplano sobre el mar.

The Replacements – Let It Be

¿Mírame a los ojos y dime sí estoy satisfecho? Aquella pregunta que uno se hace cada determinado tiempo, y se da cuenta de su propia realidad, de la cual a veces no podemos escapar, aquella limitante para expresarte libremente, para decir a alguien que lo amas, y para decirte a ti mismo que no le puedes dar las buenas noches a una máquina contestadora o a una computadora. Son aquellos sentimientos e inquietudes que creíste sólo tener cuando eras un adolescente, y pensaste que mágicamente se resolvería en una comodidad o en un lugar para pertenecer al que evidentemente nunca quisiste pertenecer.

Nunca te importó ser del cuadro de honor, ni sentarte en la primera fila, y apuesto a que aprendías más de aquellas canciones que escuchabas en la radio, qué las clases de tus maestros aquellas aburridas clases de historia y álgebra. Buscabas siempre formas de romper tus propias concepciones y encontraste refugio en aquel cuarteto de Minneapolis, que cómo tú vivían en medio de la nada, parecían ser como tú, aquel tipo cualquiera, un reemplazo más de algún mostrador.

Y bajo la premisa de “dejarlo ser”, tu mente se transformó en un mundo llenoo de posibilidades, de poder concebirlo como una obra de arte perfecta, de crear una colección de canciones en 33 minutos, en hacerte madurar, y a la vez en dejarte con ese sentimiento aventurero, con esas ganas de siempre romper con aquellos modelos, aquel sentimiento de ser un punk con clase, de romper todos los estereotipos que tenías establecidos, de apreciarte y amarte como eres. 

Nos leemos pronto.

Kashmir - Épicos momentos colectivos -

Existen experiencias revitalizantes cuando un grupo logra superar todas las expectativas y todos los rumores que existen alrededor de un acto en vivo. Son aquellos momentos de glorioso éxtasis en donde se genera una extraña e intima conexión con todos los que se encuentran a tu lado, desde los conocidos hasta los desconocidos, todos forman parte de este extraño collage de individuos respondiendo de maneras completamente distintas y sin embargo conectados por aquellas melodías, acordes y canciones que nos remiten a un lugar. Cada una de las personas ayer reunidas, experimentaba momentos, revivía sentimientos, lugares, recuerdos, personas, historias vivas y revivía algún pasado, cada uno desde su propio lugar, desde su propia perspectiva, cada uno llenaba aquellos espacios en blanco diseñados para las palabras que nunca puedes o quieres decir. Aquellos recuerdos y sentimientos, aquellas sensaciones de placer, todas esas noches de largo insomnio, al lado de aquella canción que es la llave a aquel mundo. 

Los ejercicios periodísticos se los dejaremos a aquellos competentes para escribir factualmente, para repetir la información de maneras metódicas. la sede, el setlist interpretado, y probablemente para este punto, sí usted fue uno de los asistentes seguramente ya tuvo algún acceso a este tipo de información. En cierto sentido es completamente irrelevante, en dónde fue, quienes eran los asistentes y sí era una extraña visión revitalizada de un grupo de individuos que de maneras ritualisticas, acuden a un concierto de su grupo favorito en total reverencia, su atuendo es igual que ir a la ópera. El concierto se convierte por un lado una extraña pasarela de individuos, que presume el acto en sociedad, sin darle la importancia al ritual, se convierte simplemente en una convención de hipsters, chavos cool, y todos aquellos adjetivos que se puedan agregar, aquellos que se bailan despreocupadamente al compás de los azotes de Joy Division, pero más cercanos a parecerse a Snoopy y Woodstock bailar. 

Así en ese extraña mezcla de ambientes, vibras y personalidades completamente dispares, se llega a un punto de encuentro, a un equilibrio a partir de la música, en el que cada individuo se convierte en un ser vulnerable y expuesto ante una melodía, una nota, un silencio. Es en aquel momento, donde cierras los ojos para ver la música a través de la obscuridad, a través de tus ojos, y de poder conectarse con el pasado, para revivir todas aquellas fotografías, aquellos recuerdos que tenías guardados con aquella canción. Aquellos versos que en la obscuridad de la nada, desnudan tu alma, para cobrar vida y ser parte de un soundtrack, que te conecta y te regresa a aquel instante de otro momento. Todo esto ocurre dentro de un espacio atemporal con los sonidos de Kashmir. 

Nos leemos pronto.

"Reflexiones Absurdas del pop con Radiohead y "The King Of Limbs"

Desde hace unas semanas la nostalgia por los 90's ha invadido todos los medios, hasta esta su pequeña guarida refugiada por los dioses del Olimpo musical, y sí es cierto que ciertos eventos tenían más importancia en esos años mozos, las aventuras musicales se emprendían de otra manera, de consumir y cazar la música que algo te generaba. Claro eso en un mundo y a una generación a la cual, aceptémoslo, no pertenecimos, por lo menos los contemporáneos de mi generación, nos encontrábamos sumergidos y dominados por el pop comercial, en la cual nos importaban más los New Kids On The Block, que andar en la búsqueda de algún recóndito sencillo editado por Sub Pop, todo mundo tenía sus discos de Michael Jackson, coleccionaban sus compilaciones de "Now! That's What I Call Music Vol. 2,500" o en su defecto los "Dance Clubs", o cantaban el éxito del mocosito francomexicano cuyo nombre no quiero ni recordar (y en este momento sería crucial no ofender a las frágiles y endebles relaciones internacionales del mundo actual). 

Aquellas aventuras musicales y descubrimientos musicales por exponerte a la radio, la televisión, a esperar horas a ver tu video favorito en MTV y antes de eso en la programación musical que el canal 7 tenía con un largo segmento dedicado a la música. Los días antes de Pitchfork, la sobre exposición de un género/sonido inexistente, en medio de la dominación de la nación del rock alternativo. Además de los interminables  recuentos de las visitas religiosas a las tiendas de discos, en el esperado lanzamiento del disco. Hoy en día la gran mayoría lo escucha semanas antes de su lanzamiento, al acabar mágicamente dentro de las redes de intercambio de archivos, y son pocos los que llegan al objeto físico. Sí ya sé, que siempre me remito a ese purismo del formato físico, pero es parte fundamental de generar conexiones emocionales, son aquellos lugares favoritos y aquellas fotografías de vida. 

Los lanzamientos musicales eran "eventos" importantes en la vida de los fanáticos y compradores de discos. Se formaban horas, días, en espera de ver una nueva obra de su preciado artista en los anaqueles lista para que fuera devorada y se convirtiera parte de nuestras vidas. MTV hacía las coberturas de los actos más grandes, eran eventos masivos en Times Square, en las Megatiendas de Virgin y en todos aquellos megaemporios diseñados para exprimirnos hasta la última gota de nuestros ahorros por aquella sed de música, y que ahora son dinosaurios del pasado que luchan desesperadamente por sobrevivir la crisis de la industria que llegó para quedarse y para plantear muchas interrogantes sobre el futuro de la distribución de la música, la manera en que la consumimos y sobre todo plantear propuestas sobre nuevos modelos funcionales en los que se pueda coexistir con la tecnología, sin alienar al fanático/consumidor/escucha.

La semana pasada Radiohead anuncio el lanzamiento de "The King Of Limbs" el esperado regreso de una de las bandas más importantes de los 90, y la siguiente aventura musical después del innovador "In Rainbows". Pasaron tres días para que el anuncio fuera una realidad y el mundo tuviera en sus manos, el nuevo disco. Si bien con In Rainbows, pusieron a temblar a las grandes corporaciones (¿verdad EMI Parlophone?), quienes tomaron las riendas del negocio e impusieron el modelo "Pague lo que quiera" por un pedazo de arte musical. Una exploración nueva, en donde mantienen su sonido, aquellas atmósferas incómodas y desamparadas, al borde del abismo. Complejos arreglos de polirítmias y esas texturas que si nos ponemos exigentes, se encuentran en su música desde Kid A. 

Vivir con la música, me parece, escucharla, digerirla, vivirla o más bien dicho, vivir con ella, hacerla parte de nuestra existencia, llenarla de detalles y clusters de información codificada, conectarla con individuos, situaciones; con aquel sentimiento de pertenencia, de quitarle aquel poder al creador para apropiarla. Hacerla tuya.

Yo no soy de aquellos que dice que uno "no entiende" a Radiohead y aunque sí me considero un purista forever, no tengo problema con que "los otros" sólo conozcan "Creep", con aquellos que satanizan a la banda por "venderse", por ser "pop", o por que su música la pasen en ciertas estaciones de radio de dudosa reputación. Llevó escuchando a Radiohead desde 1995,  me he peleado con su música, soy de aquellos que nos escandalizamos por las atmósferas del "Amnesiac", que puedo ponerme a chillar con "No Surprises" y que verlos tocar "Paranoid Android" en Later With Jools Holland, fue cómo haber visto a Elvis en televisión por primera vez. En pocas palabras, he vivido con la música de Radiohead por los últimos quince años de mi vida y puedo decir que por eso aprecio mucho más "The King Of Limbs". Por qué Radiohead siempre me ha pedido, que lo escuche detenidamente, qué deconstruya sus melodías, sus letras, qué reflexione sobre mi ser, mi entorno, el mundo interconectado e inmediato de la actualidad, qué me acuerde de Marvin, el original "Paranoid Android" de "The Hitchhiker's Guide To The Galaxy". Ahora me siento plácida y cómodamente en mi silla preferida, con mis audífonos, para disfrutar una y otra vez "The King Of Limbs", mañana saldré al mundo con este disco, por mientras se queda en aquella guarida, en aquel templo sagrado custodiado por los dioses del Olimpo musical, listo para emprender una aventura musical nueva cada vez qué le ponga play.

Nos leemos pronto.

Desempolvando al Cliff Poncier que todos traemos dentro o una noche con Deep Purple

Todos los amantes y fanáticos del rock, hemos estado siempre en esas eternas discusiones, que usualmente ocurren a altas horas de la noche, en estados inconvenientes y que afloran los sentimientos puristas de uno. Son aquellas discusiones en donde los Beatles son mejores que los Stones, si Ozzy o Dio era mejor vocalista de Black Sabbath, hasta aquellas complejas interpretaciones que se crean alrededor de las mitologías del rock, encontrar el significado de Stairway to Heaven, o tener acaloradas discusiones sobre la mejor época de KISS. Evidentemente no se quedan atrás las eternas dicotomías sobre que tan grande era aquella banda, cuál era la alineación más poderosa, etc.. Sin embargo, dejemos un poco ese romanticismo que tanto representaba a Cliff Poncier, quién se cuestionaba lo que realmente le había pasado a la música que valía la pena, ¿dónde estaba el Misty Mountain Hop, el Iron Man, el Smoke on the water de nuestros tiempos?.

Aquellas interrogantes, fueron las que realmente me hicieron reconsiderar el grandioso concierto de Deep Purple, que por dos horas convirtió al Auditorio Nacional en un templo de adoración a los riffs pesados, pantanosos, órganos densos y sobre todo un aura místico, que antes era producto de todas las sustancias que se repartía la multitud durante sus conciertos. Ahora se respiraba un ambiente de menor decadencia, y en vez de invocar alguna imagen sacada de alguna película de Richad Linklater (véase Dazed & Confused), tenía todos los elementos para llegar a aquellos niveles de exceso a-la Spinal Tap. Antes que nada deberíamos puntualizar el hecho que Deep Purple, siempre lo había considerado como una curiosidad musical, más allá de conocer un par de sus álbumes, uno se encuentra familiarizado por los "hits", "Smoke On The Water" (que seguramente la ha escuchado en infinidad de versiones, adaptaciones y reinterpretaciones por bandas de covers), "Hush" (mi primer descubrimiento musical de Deep Purple, que se venía incluído en el volumen 9 de las compilaciones de British Invasion, y por muchos años fue un referente fundamental del rock psicodélico), "Highway Star", "Space Truckin'", etc. Además de la existencia de un viejo vinil de Deep Purple "sinfónico" en el Royal Albert Hall, que se encontraba por azares del destino entre la vieja colección de discos en casa, y que al escucharlo me pareció uno de los discos más innecesarios, mafufos, y pretensiosos que jamás he escuchado. 

Además de que siempre he tenido un disgusto por las reuniones de reencuentro o "Last World Tours" que las bandas hacen desde hace 25 años (sobre todo el circuito de dinosaurios de los 60's), con músicos hueseros, que terminan pareciendo una patética banda de covers, con uno de los miembros originales o de la "alineación clásica". El pequeño yo purista, aflora y en un diálogo con mi conciencia, me reprocha la inversión en conciertos para que te lleven a un "imitador" de Jim Morrison y te lo traten de empaquetar como The Doors o recluten a los hijos de su integrante fallecido (sin quitarle su mérito musical y los logros que muchos de ellos tienen). Juegan con los sentimientos del fanático para vendernos un par de entradas patrocinadas por los gigantes corporativos. Pero bueno, este tipo de prácticas no son nuevas, y parte de todo este negocio es entrentenernos. Deep Purple vinó sólo con Ian Paice, Ian Gillan y Roger Glover (de la alineación clásica que no es la misma que la original, con la ausencia de Lord, Blackmore, etc.), pero esto seguramente a pocos le interesa y todos nos congregamos aquella noche para escuchar buen rock psicodélico. No podía fallar los momentos de rockstars dónde cada uno de los músicos tuvo su momento para su "solo", para demostrarnos su talento y versatilidad musical. Desde un solo de bajo, cortesía de Roger Glover, un popurrí musical cortesía de Don Airey que nos llevaba desde Deep Purple hasta Mozart, un poco de jazz, y "La Cucaracha". No podíamos despedirnos sin recibir una rendición a "La Bamba", una de las curiosidades musicales que nunca fallan y siempre generan el agrado del público, muchas ovaciones y aplausos. Ian Gillan ha sido de los pocos vocalistas, que cautivan a su audiencia y que tenía a todo el Auditorio Nacional, comiendo de su mano (a pesar de que sus constantes salidas para sentarse a recuperar el aire). Dejándose llevar por aquellos riffs pantanosos, una cohesividad musical, que revela su trayectoria de cuarenta años incuestionable, y crean un espectáculo de inmersión por dos horas, en un viaje psicodélico, que nos ayuda a desempolvar a aquel Cliff Poncier que todos tenemos dentro, y nos reconectan con aquellos placeres sencillos. Recordar siempre que para algunos sólo tomó un concierto de rock para cambiar el rumbo de sus vidas para siempre. 

Nos leemos pronto.

The New Pornographers - Moves

Se aprecia mucho ver a una banda que puede burlarse de si misma y burlarse de los propios clichés que acompañan a ser una banda de "rock". Se aprecia el hecho que se sienta mucha calidez en ver a un grupo de talentosos comediantes y músicos, entre ellos algunos miembros de Saturday Night Live y The Daily Show, en ideas sencillas, divertidas y sobre todo bien hechas. Definitivamente un gran respiro del tedio ocasional que me genera la música de los New Pornographers, a quién prefiero a sus integrantes en sus encarnaciones alternas.

Dirigido por Tom Scharpling, creador del también divertídisimo video de Ted Leo & The Pharmacists "Bottled In A Cork", con ustedes "Moves" de los New Pornographers.

Nos leemos pronto.

La Nostalgia de 1991

Después de muchos extraños reencuentros con la música de aquel 1991, no me queda más que decir que nos ha entrado la nostalgia por ese año. Creo que es un ciclo normal, volver a reapropiarse de la música de las generaciones pasadas como un axioma para conectar con la música de hoy, y ver de que manera se mantiene vigente. Para aquellos afortunados que vimos a Massive Attack en sus recurrentes visitas el año pasado, sabrán que Blue Lines no ha envejecido ni un año. Atmósferas envolventes, lugares obscuros y caminos sombríos, acompañados de beats hipnóticos. 

Entre los caminos frecuentes de la industria musical se encuentra la aclamada "re-edición", que en raras ocasiones nos presentan tratamientos dignos, y sobre todo lo suficientemente inteligentes, para hacernos comprar un disco que posiblemente ya tenía usted en su colección, para almacenarlo en otro lugar más espacioso y vistoso que acomoden sus sobredimensionados tamaños. Esto con la intención de poseer meros refritos de los éxitos de sus artistas favoritos, en pocas ocasiones nos dan aquellos demos caseros, mezclas alternativas, o aquella versión extendida, editada para radio, censurada y hasta las versiones que originalmente no pudieron ser incluidas en el disco. 

Además de esto, viene el deleite visual con fotografías de archivo, que resultan ser miradas personales e intimas a la convivencia de la banda, aquel chiste local que todos quieren entender y de alguna manera pertenecer, que además se encuentra inmiscuido en tu canción favorita. Agregue a esto, el DVD con los "videos promocionales" y el documental que celebra los 20 años de "inserte su disco de 1991 aquí ", que en su gran mayoría son escuetos documentos de 15 minutos con comentarios de lo bien que se la pasaron mientras grababan ese disco, los excesos que tenían y alguna anécdota que hasta ahora era sólo una leyenda urbana. Y para fortuna de los que escribimos de música, el espacio reglamentario para hacer una retrospectiva del momento y un ensayo sobre la banda. Todo esto disponible en formato digital, en un dinosaurio de CD individual, la edición en Digipak o de cajita vistosa y la Mega Jumbo Extra Special Deluxe Edition con más chucherías y el triple del precio por el cual usted compró el disco en 1991.

Screamadelica de Primal Scream y el Nowhere de Ride, tendran sus tratamientos de edición especial, cuyos contenidos se encuentran detalladamente en otros sitios de noticias. Y a pesar de que muestre mi desagrado a veces por dicho formato, sé que existen sus excepciones, y cada año hay un par de reediciones que sí llegan hasta los archivos de su servidor. Debo decir que tengo extrañas premoniciones completamente infundadas y no oficiales, pero presiento que Guns N' Roses se reunirá con Slash. A raíz de las noticias de Blur y su regreso al estudio, también se cumplen 20 años de su disco debut "Leisure", pero estas son meras conjeturas que el regreso a 1991, esta en su auge y hoy nos encontramos ante la nostalgia de aquellos años en los que MTV reinaba, los videos musicales tenían presupuesto y los discos vendían en su primera semana la misma cantidad que un artista hoy con un cotizado número Uno, Michael todavía reinaba el mundo, el alternativo estaba a punto de entrar a los reflectores con el Nevermind.

Lo único seguro es que esas canciones siguen vivas en nuestros recuerdos y en aquellos canales o estaciones con selecciones de "clásicos", siguen vivas en algún y recóndito bar que toca covers o que en su rockola, sigue amenizando las conversaciones con las mismas canciones y convirtiéndolas en acompañantes y secuaces, cómplices de nuestras propias películas en las que al final los créditos nos llevan hasta un lugar incierto, después de un largo camino, son nuestras bandas sonoras que todos los días reescribimos. O como decía Sting: "In this theatre that I call my soul, I always play the starring role."

Nos leemos pronto

Música no apta para los débiles del corazón.

Para los débiles de corazón, los que con un comercial irrumpen en lágrimas cual Magdalena, y aquellos azotados que siguen viendo la foto de su ex enamorado en extrañas y obsesivas maneras, favor de absenerse de escuchar estas canciones. Estos son relatos de obsesión, diálogos entre parejas, despidadas cartas de amor, todos encapsulados en medio de sueños, atmósferas celestiales, sintetizadores bailables y sobre todo un sonido distintivo. En su presentación más ligera y sencilla, Stars, Torquil Campbell, Amy Milan y Evan Cranley, en un íntimo concierto de escritorio parte de la serie de Tiny Desk Concerts de National Public Radio.

Nos leemos pronto.